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Efectos Foley

Los denominados Efectos de sala también conocidos como efectos foley son aquellos efectos que buscan la recreación de sonidos que por diversos motivos no fueron recogidos en el momento de la grabación de la escena. Wikipedia

El término foley debe su nombre al neoyorquino Jack Foley, el cual desarrollo muchas de las técnicas que ahora se llevan a cabo en esta fase de la producción sonora.

Grabación efecto Foley

 

 

 

 

Jack Donovan Foley fue el creador de muchas técnicas o efectos de sonido utilizadas en el cine. Se le atribuye la invención de añadir a las películas efectos de sonido tales como pasos, movimiento … Wikipedia

En la gran mayoría de los casos el foley  se acaba convirtiendo en un arte, un arte en desarrollo. No es un proceso fácil y requiere de mucha imaginación para llevar a cabo procesos asombrosos… Como crear el sonido de un ser inexistente en el mundo real, el despegue de una nave espacial…

Los nuevos sistemas digitales nos permiten la reproducción del más mínimo detalle sonoro, primando su realismo y su definición; Por este motivo ya no hablamos de diseño de sonido sino de arquitectura del mismo. Los efectos sala (los foley) dejan de ser meros ruidos ocasionales y se convierten en auténticos decorados sonoros que acompañarán toda la acción de los personajes, hasta el más mínimo detalle. La textura del suelo por donde andan los intérpretes, la textura de los ropajes que los visten, el material del que están hechos los objetos que tocan o mueven e incluso el aire que respiran los actores son obsesiones del efectista en estos momentos.

Resultado de imagen de Jack FoleySe puede apreciar como se utilizan cocos para crear el sonido de un caballo galopante

3. Registro de audio: ambiente locución y foley

Registrar audio tiene muy diversos propósitos, en ocasiones lo realizamos en condiciones de interior / estudio y otras veces por exigencias del guión nos movemos fuera con un equipo de grabación portátil. Dividiendo estos dos propósitos usaríamos equipos y resultados diferentes.
Tengamos como meta (en la mayoría de los casos) que queremos conseguir el sonido más plano y fiel posible a la fuente original que lo está emitiendo. Es por ello que debemos saber posicionar y escoger con cuidado la microfonía.
Antes de ver los siguientes puntos del tema, recordarte que la mejor toma es en la cual se crea, un ambiente relajado y profesional. Intenta que todo se entienda a la perfección por cualquier oyente.
Con todos los conceptos técnicos que hemos recopilado hasta ahora no deberíamos tener ningún contratiempo perceptible.

Resultado de imagen de espectro frecuencias de audio

3.1 WildTrack y banda sonora

El Wildtrack

Es la pista de ambiente natural, el paisaje sonoro. En cada rodaje audiovisual acontece ese momento mágico, cuando el director de sonido pide silencio para el Wildtrack.  En plena toma el equipo se paraliza para que sus sistemas de grabación capten el entorno, el aire, los pájaros… Se realiza siempre el wildtrack de cada escena en exterior puesto que es una pista, al menos un minuto que servirá al montador como fondo en la escena, para en caso de editar o doblar los diálogos tener ese ambiente real y único que daba dicho momento de la grabación de la escena.

La Banda Sonora (OST, original sound track)

Llamamos banda sonora a todas las pistas de audio que acompañan a un metraje o pieza audiovisual. Dentro de la banda sonora encontramos numerosos elementos que la forman:

– Diálogos

– WildTrack

– Música

– FXs (efectos sonoros)

Vulgarmente llamamos banda sonora únicamente a la música de la película, pero esa banda sonora contiene mucha más información esencial para el film.

La imagen muestra una película en el antiguo celuloide, ampliando donde se alojaba la banda sonora dentro de la película.

La Banda Sonora (OST, original sound track)

Hoy día la sincronización es totalmente digital.

3.2 El flujo de trabajo en las producciones de foley

Una producción de Foley tiene una fuerte preparación.

1- Visionar y anotar todos los sonidos.

Apuntando en qué momento aparecen, o realizando una clasificación acorde por grupos.

En ese proceso inicial anotamos que vamos a necesitar reconstruir, para así hacernos una idea de todo lo necesario para afrontar la grabación.

2- Materiales.

Hacer acopio de materiales necesarios para recrear ese sonido es un paso fundamental. De ello dependerá la veracidad de nuestra recreación. La mayoría de los estudios especializados contienen un gran almacén que casi parece un rastro desfasado. No importa el aspecto del “instrumento”, importa su sonido a la hora de golpearlo, arrastrarlo, mojarlo o sacudirlo.

3- Microfónica y acotación de espacios.

Según los materiales que fuésemos a emplear vamos a necesitar un espacio de seguridad mayor, es importante mantener proximidad con la microfonía sin ponerla en riesgo, podemos romper material de estudio con mucha facilidad.

4- Grabación.

El proceso de interpretación, el artista foley se convierte en un intérprete más de la banda sonora, y dependerá de su habilidad de recrear e integrar sonidos para conseguir los efectos más reales y sorprendentes. Es muy común el trabajo por capas donde para conseguir un mismo sonido empleamos distintas grabaciones. Ejemplo: una con más ataque, otra con más sonido de metal, y otra con mucho volumen. Sumando todas podemos obtener el resultado esperado que de otra forma no podríamos transmitir con un único elemento.

El papel del técnico durante la grabación es fundamental, controla las tomas, asegura que son válidas, que no saturan o se quedan bajas de nivel. Es el que escucha desde fuera con un oído crítico para transmitir al intérprete si debería repetir o buscar otro sonido.

4 Mezcla, edición y mastering

 La postproducción de audio engloba todo los procesos posteriores a la grabación. Es decir, tras importar nuestros archivos de audio, decidimos las que vamos a usar y en qué orden. El siguiente paso sería editarlos, cortarlos, nivelarlos, corregir los posibles errores buscando obtener un resultado uniforme. Cuando ya hemos realizado la edición ahora viene el paso de mezcla, que trata de nivelar todo y jugar con los planos para no confundir al oyente. Explicaremos esto en el siguiente punto.

Por último una vez editado y mezclado vendría el retoque final, la masterización que equilibra y conforma, para así poder escucharlo a un volumen aceptable en cualquier reproductor de audio de nuestro entorno. La masterización busca equilibrar los sonidos puesto que la respuesta de los altavoces de casa no es igual ni parecida a la de nuestro coche. De esta manera el audio no pierde sus propiedades.

4.1 Diferencia entre mezcla y masterización

La diferencia entre mezcla y masterización es uno de los conceptos que más suele confundir, porque son términos que a veces se usan intercambiablemente y porque la línea que divide a ambos procesos puede ser bastante difusa en algunos casos.

Empecemos por entender cada proceso:

¿Qué es la mezcla de audio?

Es un proceso cuyo objetivo principal es lograr un balance equitativo en el audio. Ya sea este de frecuencias, de niveles, de la ubicación de cada sonido en el panorama estéreo (paneo). Una vez terminada la mezcla tenemos nuestra pieza lista para publicar, a falta del último proceso (el mastering).

Durante la mezcla se trabaja con el sonido “en bruto” producto de la grabación, es decir que lo que recibimos son las pistas a las que no se le aplicó ningún proceso previamente y empezamos con una serie de pasos que buscan que todo esté en su lugar y ocupe su espacio adecuadamente.

Otra cosa que se trabaja en la mezcla es la aplicación de efectos como reverb, delay, ecos, paneos creativos, etc . La elección de los efectos tiene mucho que ver con el estilo y con lo que busca el editor, productor…

La realidad es que una producción musical se empieza a mezclar incluso durante la grabación, puesto que según el micro que usamos ya estamos dándole un matiz e importancia a ese sonido.

Esto ya es un proceso de mezcla porque las decisiones las tomamos teniendo en cuenta que cada cosa tenga su lugar y se corresponda con lo que esperamos escuchar. Una grabación donde no se escuche en absoluto la voz y mucho ambiente puede destrozar nuestra mezcla.

¿Qué es la masterización?

La masterización es un proceso en el cual se pulen detalles de la mezcla y se llevan a un volumen comercialmente aceptable. La particularidad de la masterización es que durante este proceso se decide también el orden de los clips, la aplicación de fundidos (fades), la inserción de meta-datos necesarios para la identificación de la obra (como los códigos ISRC) y se decide también el espaciado de las canciones (la cantidad de segundos de silencio entre temas).

En su origen, la masterización era un proceso que se hacía únicamente para discos completos, sin embargo también se suele masterizar pistas separadas o proyectos de pocas canciones que no van a ser incluidas en un disco. La importancia de la masterización radica en una perspectiva fresca que otorga un control de calidad al proceso de mezcla.

Con el nacimiento de la auto-producción y de los discos grabados en condiciones semiprofesionales la masterización se ha vuelto una necesidad puesto que las mezclas requieren casi siempre alguna mejoría para ser aptas para su reproducción satisfactoria en los distintos medios de escucha, sin embargo cabe destacar que tampoco se puede hacer magia con una canción mal mezclada durante la masterización porque los recursos son limitados y no es la idea del proceso.

Entonces ¿Cuál es la diferencia entre mezcla y masterización?

Haciendo una analogía con la cocina, la mezcla sería el proceso donde una vez ya decidimos que vamos a cocinar procedemos a obtener la materia prima (grabación) para posteriormente desarrollar el paso intermedio donde mezclamos los ingredientes en función de las proporciones (mezcla) para posteriormente darle los retoques finales como ornamentación y presentarlo en el plato (masterización).

Señal masterizada y sin masterizar

Para seguir con la analogía, así como podemos comer directamente de una olla podemos mezclar sin masterizar, pero no podemos masterizar sin mezclar. Un estudio de mastering no tiene nada que ver con uno de mezcla, puesto que son equipamientos y propósitos bien distintos.

 

 

4.2 Usa música libre de derechos o pide derecho de explotación.

Si realizamos un podcast para distribuir de forma libre por internet, o bien si subimos un vídeo en youtube con música con derechos. En cualquier caso encontraremos que la red bloquea nuestro archivo porque rápidamente puede reconocer el uso ilegal de música con Copyright.

A continuación una lista con bibliotecas de audio en las que poder encontrar música libre de derechos de autor para poder descargársela de forma legal. Toda esta música se puede utilizar para distintos fines siempre que se respete la licencia, si es que la tiene. La gran mayoría de estas bibliotecas funcionan gracias a licencias Creative Commons. Algunas de ellas permiten hacer uso comercial de esas canciones con sólo mencionar al autor.

Repito: es recomendable asegurarse de que el tema está disponible para el uso concreto que se le quiera dar.

Jamendo

Como dice la Wikipedia, Jamendo “es una comunidad creada alrededor de la música libre, donde los artistas pueden subir su música gratuitamente y su público, descargarla de igual manera.

Fundada en enero de 2005, su número de artistas y álbumes alojados ha crecido de manera exponencial desde entonces”. Hay quien asegura que tiene más de 350.000 canciones.

Es una de las bibliotecas de música que hay que tener siempre a mano. La funcionalidad de la búsqueda avanzada es perfecta para encontrar el tema que estamos buscando de forma muy rápida.

Además deja buscar por tipo de licencia.

https://www.jamendo.com/?language=es

Free Music Archive

Creado en 2012 por WFMU, la mayor estación de música independiente de EEUU, Free Music

Archive cuenta con más de 5.000 canciones subidas por músicos o podcasters. Algunas de las bandas que suben aquí sus canciones han participado en festivales de música indie. Las canciones se pueden descargar de forma libre aunque es conveniente consultar la licencia porque pueden estar limitadas o cumplir ciertos requisitos para ser usadas.

Musopen

Si queréis ponerle música clásica a uno de vuestros vídeos, Musopen es la biblioteca perfecta.

Recoge parte de las composiciones de más de un centenar de músicos tan renombrados como Mozart, Beethoven, Tchaikovski, Bach o Mendelssohn.

Sound Cloud

Creada en 2007, Sound Cloud cuenta con más de tres millones de usuarios. Es una de las redes favoritas de música independiente.

Masterización es un término que proviene de master, en inglés, que hace referencia al producto final de una grabación sonora, que servirá como original o pieza maestra, de la cual han de obtenerse las copias. Como tal, aunque ha evolucionado, es un concepto que ha estado ligado a la historia del registro sonoro. Se podría afirmar que la primera masterización tuvo lugar en el laboratorio de Thomas Edison, ya que el propio Edison o uno de sus asistentes tuvo que producir de alguna manera el primer cilindro listo para ser utilizado en el fonógrafo para reproducir un sonido grabado previamente mediante el mismo aparato. (De Wikipedia, la enciclopedia libre)

Reseña

Máquina de corte de discos maestros. En la imagen aparece un disco maestro recubierto de cobre.
Máquina de corte de discos maestros. En la imagen aparece un disco maestro recubierto de cobre.

Con la invención del gramófono, se popularizó el uso del disco de vinilo, lo que sucedió de forma paralela al desarrollo de la radio en Estados Unidos. El ingeniero encargado de la masterización elabora el máster grabando un surco en la superficie del mismo usando un pickup similar al que se usa para reproducción.Fonógrafo

Este surco forma una espiral que inicia su camino en la periferia de la superficie del disco y avanza hacia su interior. La velocidad con que la punta grabadora avanza hacia el centro del disco determina la distancia entre surcos, lo que a su vez limita la amplitud de las vibraciones que puede registrar el pickup, lo que luego se traduce en un disco que suena más o menos fuerte.

Con el advenimiento del disco compacto, la forma en que se realiza el trabajo de crear el prototipo para el máster cambió, pero siguió siendo necesario. El encargado de la masterización de CD creaba un prototipo usando un formato desarrollado para tal fin, a partir de una modificación de la grabadora de video U-matic, conocido en el medio como la PCM 1630.

Con los años se creó el CD de escritura y luego el de lecto-escritura, que también comenzó a ser usado para entregar los máster a la planta de prensaje. Hoy en día son el formato de preferencia, junto al DDP (del inglés, “Disc Description Protocol”), que se usa para enviar el máster a través de internet.

Algunas personas prefieren el término “Pre-masterización”, toda vez que el producto obtenido en el estudio es solo un “pre-master” del cual se obtiene el “glass-master”, generalmente en la propia planta, y es propiamente el prototipo, o “master” que se usa para la replicación.

Masterización como parte del proceso de la producción sonora

Los primeros títulos de registro sonoro fueron comercializados como cilindros para fonógrafo o disco para gramófono. Estas primeras grabaciones se realizaban directamente sobre el medio final, sin procesos intermedios.

Magnetófono alemán
Magnetófono alemán

Con la invención de la cinta magnética, la grabación podía realizarse en un momento previo a la producción del máster del disco para replicación, con posibilidad de repetir cuando una toma no salía bien, y se podía incluso grabar cada fragmento musical en un momento diferente, lo que hacía necesaria una sesión extra de “armado”, que posibilitaba la toma de decisiones como el orden de las canciones, para que el técnico encargado preparase el máster a partir de las diferentes cintas empleadas en el orden deseado y dejando un espacio de silencio adecuado entre ellas, proceso que hasta nuestros días se conoce con el nombre de “secuenciado”.

Otro aspecto importante en la evolución del trabajo de masterización se debió también al hecho de grabar en momentos diferentes cada pista del álbum, puesto que con frecuencia el resultado final era que cada pieza individual presentaba un nivel de volumen diferente, debido a lo cual el operario debía compensar este efecto ya fuera amplificando o atenuando algunas de ellas, lo que en ocasiones obligaba a la creación de una cinta maestra a partir de las originales.

El operario ya no se encargaba solamente del aspecto puramente técnico de la preparación del máster, sino que tenía bajo su responsabilidad el secuenciado y la nivelación, lo que tenía también que ver con la parte artística del trabajo.

En poco tiempo se agregó un ecualizador al arsenal, debido a que no sólo se presentaban diferencias de nivel entre las diferentes pistas, sino también de color. El ecualizador se utilizaba para compensar tales diferencias, que comenzaron a darse con mayor frecuencia e intensidad en los comienzos de la grabación multipista, que agregaba un proceso intermedio entre la grabación y la masterización : la mezcla.

Software audio.

  • Software libre para la edición de audio

A continuación un listado de los editores de audio más comunes. Tanto en uso profesional como doméstico tenemos acceso a herramientas muy potentes. El resultado final únicamente dependerá de nosotros, el mercado de software de audio es muy similar y utiliza el mismo flujo de trabajo, simplemente son cambios de apariencia o utilidades de cada compañía:

-Audacity. (click para descargar)  https://sourceforge.net/projects/audacity/?lang=es

http://audacity.sourceforge.net/?lang=es

-Sony Sound Forge.

-Steinberg Wavelab.

-BIAS Peak. -Acoustica.

-Wave editor. -Wavosaur

 Software de audio.

https://www.youtube.com/watch?v=0_C-8D6yr34

Consejo  para utilizar los Smartphone e IPhone.

https://www.youtube.com/watch?v=acZusTmIoSA

 Mezcla de audio.

https://www.youtube.com/watch?v=gOMkDVNsDZU

Enlaces vídeos foley.

CORTOMETRAJE “THE SECRET WORLD OF FOLEY” “EL MUNDO SECRETO DE FOLEY”

https://vimeo.com/170948796

EL INICIO DEL FOLEY, ASÍ SE TRABAJA UNA SECUENCIA COMPLETA

https://www.youtube.com/watch?v=OONaPcZ4EAs

 

GARY HECKER, EL FOLEY EN HOLLYWOOD

https://www.youtube.com/watch?v=Gqs1KO_HKWY

El Retrato. Reproducción de la Realidad y Manipulación de la Imagen

Presentación de Contenidos y Unidades Didácticas:
Los Contenidos de estas Prácticas, los Tutoriales, así como el desarrollo de las Unidades Didácticas, están relacionados con el MÁSTER de EDUCACIÓN para los futuros PROFESORES de Educación Secundaria Obligatoria y Bachillerato, Formación Profesional y Enseñanzas de Idiomas, dependiente de la Universidad de Granada y de la Consejería de Educación de la J.A. Han sido desarrollados por mis alumnas de Máster de Educación de Profesorado de Educación Secundaria y Bachillerato Mercedes García Gutiérrez y  Beatriz Iáñez Bustamante y aplicados a los contenidos de las Asignaturas de Dibujo Artístico y Cultura Audiovisual respectivamente, de primer curso de bachillerato del IES Severo Ochoa de Granada.
Enhorabuena a las futuras profesoras, estáis  abriendo camino para ser unas buena profesionales docentes.
Manuel Padilla Álvarez. Profesor Tutor de MÁSTER de EDUCACIÓN PROFESORES de Educación Secundaria Obligatoria y Bachillerato, Formación Profesional y Enseñanzas de Idiomas.

Está unidad didáctica “EL Retrato una reproducción de la realidad” ha sido desarrollada para impartirla a los alumnos de 1º Bachillerato de Artes IES Severo Ochoa, en la asignatura de Dibujo Artístico.

Los/las Docentes
Manuel Padilla Álvarez       Mercedes García Gutiérrez

Unidad didáctica “EL Retrato una reproducción de la realidad”

UnidadDid+íctica- MercedesGarcia

unidadDidactica Mercedes García

 

Contenidos “EL Retrato una reproducción de la realidad”

MercedesGarciaGutierréz-Contenidos

 

Está unidad didáctica “Manipulación de la Imagen” ha sido desarrollada para impartirla a los alumnos de 1º Bachillerato de Artes IES Severo Ochoa, en la asignatura de Cultura Audiovisual.

Los/las Docentes
Manuel Padilla Álvarez         Beatriz Iañez Bustamante

Unidad didáctica “Manipulación de la Imagen”

Beatriz Iáñez Bustamante Unidad Didáctica del Retoque fotográfico

Contenidos Manipulación de la Imagen

Contenidos  retoquefotogr+ífico Beatriz Ia+¦ez Bustamante

Edición de audio

Una señal de audio es una señal analógica eléctricamente exacta a una señal sonora; normalmente está acotada al rango de frecuencias audibles por los seres humanos, que está aproximadamente entre los 20 y los 20.000 Hz (el equivalente, casi exacto a 10 octavas).

Dado que el sonido es una onda de presión se requiere un transductor de presión (un micrófono) que convierte las ondas de presión de aire (ondas sonoras) en señales eléctricas (señales analógicas).

La conversión contraria se realiza mediante un altavoz —también llamado bocina o altoparlante en algunos países latinoamericanos, por traducción directa del inglés loudspeaker—, que convierte las señales eléctricas en ondas de presión de aire.

Un editor de audio es una aplicación informática usada para editar audio, es decir, manipular audio digital. Los editores de audio son la pieza de software principal en las estaciones de trabajo de audio digital.

Entre las herramientas más populares encontramos: Adobe Audition, Sound Forge, Nuendo, Logic, Sonar, Audacity… entre otros.

Un editor de sonido es un creativo responsable de seleccionar e integrar grabaciones de sonido en preparación para la mezcla o grabación original del sonido final de un programa de televisión, película, videojuego, o cualquier producción que involucre sonido grabado o sintético. La edición de sonido se desarrolló debido a la necesidad de reparar las grabaciones de sonido incompletas, no dramáticas, o técnicamente inferior de las primeras películas sonoras, y que con el pasar de los años se han convertido en obras de la industria cinematográfica, en donde los editores de sonido han implementado metas estéticas en el diseño del sonido cinematográfico.

FORMATOS DE AUDIO

Un formato de archivo de audio es un contenedor multimedia que guarda una grabación de audio. Lo que hace a un archivo distinto del otro son sus propiedades, cómo se almacenan los datos, sus capacidades de reproducción, y cómo puede utilizarse un archivo en un sistema de administración de archivos (etiquetado).

Tipos de formatos

Existen diferentes tipos de formato según la compresión del audio. Es importante saber distinguir entre formato de archivo y codec. El codec codifica y decodifica los datos del audio mientras estos datos son archivados en un archivo que tiene un formato de audio específico. La mayoría de los formatos de archivo de audio públicamente documentados pueden ser creados con uno de dos o más codificadores o codecs. Aunque la mayoría de formatos de archivo de audio solo soportan un tipo de datos (creado con un codec de audio). Un contenedor de formato de multimedia como MKV o AVI puede soportar múltiples tipos de datos de audio y vídeo.

Hay tres grupos principales de formatos de archivo de audio:

WAV

Es un formato de audio digital normalmente sin compresión de datos desarrollado y propiedad de Microsoft y de IBM que se utiliza para almacenar sonidos en el PC, admite archivos mono y estéreo a diversas resoluciones y velocidades de muestreo, su extensión es .wav. A pesar de que el formato WAV puede soportar casi cualquier códec de audio, se utiliza principalmente con el formato PCM (no comprimido) y al no tener pérdida de calidad puede ser usado por profesionales.

AIFF

Prácticamente igual que el anterior WAV, trabaja en formato PCM. Su principal diferencia radica en los desarrolladores. AIFF es el formato principal de Mac Osx, así que su software de edición profesional suele trabajar con este formato.

WMA

Es un formato de compresión de audio con pérdida, aunque recientemente se ha desarrollado de compresión sin pérdida, es propiedad de Microsoft. Aunque el soporte de este formato se ha ampliado desde Windows Media Player y ahora se encuentra disponible en varias aplicaciones y reproductores portátiles, el MP3 continua siendo el formato más popular y por ello más extendido. A diferencia del MP3, este formato posee una infraestructura para proteger el Copyright y así hacer más difícil el “tráfico P2P” de música.

MP3

Es el formato de compresión con pérdida más utilizado en el mundo y actualmente forma parte del estándar MPEG-2 (las versiones más antiguas de este formato siguen con el estándar MPEG-1, algo menos desarrollado pero igualmente con buenos resultados). Además, cuenta con la expansión de reproductores optimizados para este formato, lo que hace que se extienda más aún fuera del ámbito de la informática. No obstante tiene grandes defectos que impiden un desarrollo óptimo: tiene patente (que hace que no tenga apoyo de una comunidad que lo desarrolle de forma libre) y han salido formatos tecnológicamente mejores, aunque de parecido rendimiento.

OGG

El formato Ogg es completamente libre, no tiene patentes .Ogg tiene también un buen algoritmo de compresión, que si se junta con su carácter libre lo hace un buen candidato para ser utilizado en Internet. Por ejemplo, es el formato utilizado en uno de los principales programas para escuchar música online como Spotify.

Conectores de Audio

El conector de audio (audio jack en inglés) de señales analógicas se utiliza para conectar micrófonos, auriculares y otros sistemas de señal analógica a dispositivos electrónicos, aunque sobre todo audio.

Es vital conocer los conectores de audio más comunes. Nos ahorraremos problemas a la hora de la captación, así como entendernos con el resto del equipo en soluciones técnicas.

RCA conector-rca

Es un cable que solamente contiene un positivo y una fina malla que protege de parásitos al cable. No es adecuado para grabaciones, es muy común en reproductores, equipo DJ y doméstico.

TR/ TRS (JACK)conectores-tr-trs-jack

El más común para los instrumentistas, la mayoría de instrumentos eléctricos usan este conector. También muchos efectos y equipo auxiliar. Se usa comúnmente para entradas y salidas de linea.

Existen dos tipos:

TS (tip-sleeve, punta-funda) , no balanceado . Al igual que el RCA simplemente tiene un positivo y una malla que recubre el cable.

*Ambos pueden ser de dos tamaños distintos . El conector original de 6,35 mm (¼″, es decir, un cuarto de pulgada). El miniaturizado de 3,5 mm (aproximadamente ⅛″): es el tipo de conector más utilizado, usado para la salida de auriculares en dispositivos portátiles, como reproductores de mp3.

TRS (tip-ring-sleeve, punta-anillo-funda), balanceado. En este caso contiene dos señales y una malla. Las dos señales se pueden usar tanto para un canal como para dos. En el caso de usarlo para un canal es su uso balanceado, el cual confiere un seguro contra la perdida de señal o parásitos.

XLR (Canon) Es el más común dentro del mundo del audio. Es un conector rudo y seguro de 3 pines, que al igual que el TRS contiene dos positivos y una malla aún más fuerte. conector-xlr-canonconector-base-negativa-2-xlrconector-base-negativa-xlr

 

 

 

 

 

Software de edición de audio.

software-libre-para-la-edición-de-audio

tema-19 CUAU equipos-de-imagen-y-sonido

http://computerhoy.com/listas/software/5-mejores-editores-audio-domesticos-1686

 

 

 

 

El Sonido

El sonido (del latín sonĭtus, por analogía prosódica con ruido, chirrido, rugido, etc.), en física, es cualquier fenómeno que involucre la propagación de ondas mecánicas (sean audibles o no), generalmente a través de un fluido (u otro medio elástico) que esté generando el movimiento vibratorio de un cuerpo.

El sonido humanamente audible consiste en ondas sonoras y ondas acústicas que se producen cuando las oscilaciones de la presión del aire, son convertidas en ondas mecánicas en el oído humano y percibidas por el cerebro. La propagación del sonido es similar en los fluidos, donde el sonido toma la forma de fluctuaciones de presión.1 En los cuerpos sólidos la propagación del sonido involucra variaciones del estado tensional del medio.

El sonido es una onda de presión se requiere un transductor de presión (un micrófono) que convierte las ondas de presión de aire (ondas sonoras) en señales eléctricas (señales analógicas).

La conversión contraria se realiza mediante un altavoz —también llamado bocina o altoparlante en algunos países latinoamericanos, por traducción directa del inglés loudspeaker—, que convierte las señales eléctricas en ondas de presión de aire.

Es Importante recordar que, al igual que ver y mirar no son lo mismo, oír y escuchar tampoco lo son. Escuchar es oír pensando.

Conceptos de sonido.

Hablamos de sonido como el fenómeno físico atmosférico que da movimiento a la materia.como-se-produce-el-sonido

Vibración y movimiento.

nuestro-timbre-produce-el-sonido

onda-de-sonido-grave-y-agudoEl sonido es un estimulo provocado por una vibración o fricción de cualquier materia, en el caso de la voz las cuerdas vocales, en el caso de un clarinete la lengüeta. Así pues cualquier objeto es susceptible de provocar un estímulo sonoro, sea deseado o no. El medio para el sonido es de vital importancia, sin él no existiría canal para su emisión. Claro ejemplo de ello es la total ausencia de sonido en el espacio exterior, puesto que no hay ningún medio material que lo pueda transmitir.

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Teniendo en cuenta el medio podemos conocer que las velocidades y fidelidad de difusión varían según el medio:

• El Aire.  Es el medio más común al cual estamos acostumbrados donde el sonido tiene una velocidad de aproximada de 340 metros por segundo.  Si hablamos con exactitud en el aire, a 0 °C, el sonido viaja a una velocidad de 331,5 m/s (por cada grado Celsius que sube la temperatura, la velocidad del sonido aumenta en 0,6 m/s).

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En la atmósfera terrestre es de 343,2 m/s (a 20 °C de temperatura, con 50 % de humedad y a nivel del mar). Por tanto La velocidad del sonido varía en función del medio en el que se trasmite. Así pues traspasar la barrera del sonido en el aire no es otra que superar dicha velocidad y viajar más rápido que el propio sonido que emita el cuerpo en movimiento.

 

El Agua. Es un medio poco usual que encuentra más usos en el mundo animal, como pueda ser el caso de las conversaciones que mantienen mamíferos como las ballenas a distancias que superan los 20 km. Prueba de ello es que en el caso del agua el sonido viaja a una velocidad de 1450 m/s.

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En Sólidos. Cuanto más compacto atómicamente es el medio, más rápido y mejor viaja el sonido. Dependiendo de la densidad del material puede variar su velocidad, un ejemplo de ello es uno de los mejores conductores como puede ser el Hierro donde el sonido es capaz de viajar a una velocidad de 5130 m/s el-sonido-tambien-se-transmite-por-los-solidos

Frecuencias que pueden ser percibidas por el oído humano.

El espectro audible, también denominado campo tonal, se halla conformado por las audiofrecuencias, es decir, toda la gama de frecuencias que pueden ser percibidas por el oído humano.

Un oído sano y joven es sensible a las frecuencias comprendidas entre los 20 Hz y los 20 kHz. No obstante, este margen varía según cada persona y se reduce con la edad (llamamos presbiacusia a la pérdida de audición con la edad). Este rango equivale muy aproximadamente a diez octavas completas (210=1024). Frecuencias más graves incluso de hasta 4 ciclos por segundo son perceptibles a través del tacto, cuando la amplitud del sonido genera una presión suficiente.

Fuera del espectro audible:

  • Por encima estarían los ultrasonidos (Ondas acústicas de frecuencias superiores a los 20 kHz).
  • Por debajo, los infrasonidos (Ondas acústicas inferiores a los 20 Hz).

No hay que confundir las audiofrecuencias con las radiofrecuencias. Las audiofrecuencias son ondas mecánicas (por consiguiente, no se pueden propagar en el vacío, es decir, no tienen capacidad radiante), y son de baja frecuencia (20Hz – 20kHz) ; mientras que las radiofrecuencias son ondas electromagnéticas (por tanto, con capacidad radiante), y son altas frecuencias cuyo margen va de los 3 kHz a los 300 GHz de las microondas.

El espectro audible varía según cada persona y se altera con la edad por eso es muy importante cuidarlo y no exponerlo a sonidos o ruidos muy fuertes que pueden dañarlo irremediablemente.

Audios: / Barrido / Barbershop (Enlace alternativo)

 conceptos-de-sonido

tema-17 CUAU-funcion-expresiva-del-sonido

tema-18 CUAU-expresividad-de-música-y-sonidos

Sonido y música en los medios audiovisuales: Elementos fundamentales del sonido.

http://agrega.juntadeandalucia.es/visualizador-1/VisualizadorCS/VisualizarDatosNavSecuenciaNodo.do?identificador=es-an_2016091412_9125521&idSeleccionado=ITEM-eXes_1617_v01555f22f72250cd32fc3

 

Exposición Empieza el espectáculo. Georges Méliès y el cine de 1900

Exposición Empieza el espectáculo. Georges Méliès y el cine de 1900

Empieza el espectáculo. Georges Méliès y el cine de 1900 se podrá visitar en la Fuente de las Granadas (Plaza del Humilladero) del 26 de enero al 21 de febrero de 2017.

Horario:

De lunes a viernes, de 12.30 a 14 h y de 17 a 21 h.

Sábados, domingos y festivos, de 11 a 14 h y de 17 a 21 h.

 

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Georges Méliès (1861-1938) introdujo la magia y la ficción en el cine cuando este aún estaba en pañales y prácticamente era solo documental. La contribución del cineasta francés al séptimo arte es fundamental. Fue dibujante, mago, director de teatro, actor, decorador y técnico, y también productor, realizador y distribuidor de más de 500 películas entre 1896 y 1912. Reinó en el mundo del género fantástico y del trucaje cinematográfico durante casi veinte años, antes de caer en el olvido y la ruina económica, que lo llevaron a destruir los negativos de todas sus películas.

La Obra Social ”la Caixa” presenta Empieza el espectáculo. Georges Méliès y el cine de 1900, una exposición en un nuevo e innovador formato itinerante que, en un espacio de 200 metros cuadrados, traslada a los visitantes al ambiente de principios del siglo XX para explicar cómo se produjo el nacimiento del cine como fenómeno popular y cuál fue el papel capital que tuvo Méliès en el mismo.

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La muestra incluye reproducciones de aparatos, maquetas, objetos de época y copias de fotografías, así como la proyección de varios films, con una atención especial a Le voyage dans la Lune (1902). La muestra se ha realizado con la participación de La Cinémathèque Française, que cuenta con la colección más importante a nivel mundial de objetos de Méliès.

Empieza el espectáculo. Georges Méliès y el cine de 1900 se podrá visitar en la Fuente de las Granadas (Plaza del Humilladero) del 26 de enero al 21 de febrero de 2017.

Georges Méliès fue un precursor. Las grandes tramoyas, las técnicas de montaje y las películas coloreadas son el origen de uno de los géneros más populares y rentables de la historia del cine: el cine fantástico. Las películas de Méliès transmiten vitalidad, creatividad, ilusión, fantasía y sentido del humor, y demuestran que en el cine todo es posible.

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Por ello la Obra Social “la Caixa” le ha querido dedicar esta exposición, que forma parte de un conjunto de proyectos dedicados al cine como elemento fundamental de la sensibilidad y la forma de ver el mundo de la gente de hoy. Un recorrido por los orígenes del cine y por la fecha mágica del año 1900, cuando aún no existían las grandes productoras ni las grandes salas de proyección, y las películas circulaban por pueblos y ciudades en barracas y roulottes.

Una exposición en un nuevo e innovador Caixaforum itinerante que, en un espacio de 200 metros cuadrados, traslada a los visitantes al ambiente de principios del siglo XX, a una feria del año 1900. Detrás del telón de terciopelo… ¡el Gran Méliès!

https://www.participamelies.com/

Documento en PDF Méliès

 

Méliès

III Premios “El Audiovisual en la Escuela”

Para todos los Alumnos y alumnas de 1º y 2º  de Bachillerato de CUAU.

El pasado 19 de enero de 2017 se publicaron en BOJA nº 12 las bases que regirán la  CONVOCATORIA DE LA III EDICIÓN DE LOS PREMIOS ANDALUCES «EL AUDIOVISUAL EN LA ESCUELA» que pretenden reforzar las competencias en comunicación audiovisual en los centros educativos de la comunidad andaluza y que desde aquí os animamos a participar.

Un saludo.

Manuel Padilla Álvarez

Profesor de Cultura Audiovisual                       IES Severo Ochoa Granada

CONVOCATORIA DE LA III EDICIÓN DE LOS PREMIOS ANDALUCES
«EL AUDIOVISUAL EN LA ESCUELA»

En este tercera edición el Consejo Audiovisual de Andalucía junto al Consejo Escolar de Andalucía y la Fundación Cajasol pretenden promocionar la alfabetización mediática en las diversas etapas educativas, así como dotar de capacidad crítica a los menores ante los contenidos que reciben de los medios de comunicación audiovisual.

Los premios se dividen en dos modalidades: una dirigida al alumnado de entre 6 y 18 años, y otra al profesorado. Se premiarán 6 trabajos en toda Andalucía con una cuantía económica de 1.000 € cada premio, que irá destinada a la adquisición de nuevo material educativo o actividades relacionadas con la comunicación audiovisual.

El plazo de presentación de los trabajos finaliza el 30 de abril de 2017 y las bases de los premios y resto de información se puede consultar en los siguientes enlaces:

– Página web del Consejo Audiovisual de Andalucía

– BOJA nº 12 de 19 de enero de 2017

Cuatro Puntos de vista: Cuatro Directores de Cine

—La imagen cinematográfica es una ilusión óptica que se genera a partir de un doble movimiento:

El movimiento de grabación: La cámara de cine capta la realidad  y descompone el movimiento en una sucesión de imágenes estáticas.

—El movimiento del proyector: La sucesión de fotogramas se ilumina y proyecta a gran velocidad, lo que permite la reposición del movimiento.

—La novedad del cine es crear en la pantalla la sensación de movimiento y superar a la imagen fotográfica.

—Técnicamente, el cine fue posible gracias a la combinación de tres fenómenos: —El descubrimiento de la persistencia retiniana. El desarrollo de la fotografía. El invento del cinematógrafo.

Un gran hito cultural de la era industrial. El 28 de diciembre de 1895 los hermanos Lumiére presentaron en París su cinematógrafo, el mundo ya no sería los mismo. Surge entre otros: el director de cine, el realizador que es el responsable de plasmar en imágenes los contenidos del guion de una película, los actores, los cámaras, los técnicos de cine…

El director de cine o director cinematográfico (en algunos países también realizador) es la persona que dirige la filmación de una película, da instrucciones a los actores, decide la puesta de cámara, supervisa el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.

Previamente habrá intervenido en numerosas labores, principalmente la realización del guion técnico (encuadre, plano, movimientos de cámara, objetivo y angulación), como la selección o casting de los actores y de los demás profesionales, los escenarios naturales en los que se rodará la película, los decorados, o la redacción final del guion.  (fuente Wikipedia).

 

Desde el nacimiento del CINE  en 1895 donde se proyecta la primera película La salida de la fábrica que grabaron los hermanos Lumière, hasta nuestros días 2017,  los directores de cine han experimentado una gran evolución en estos 122 años, nos han hecho participes de su riqueza narrativa cada uno con su personalidad Audiovisual. Las primeras películas tenían una mínima duración, que se limitaban a tomas de la realidad, técnicamente la cámara está fija, hay continuidad en el tiempo (no hay cortes ni montaje) y la acción tiene principio, desarrollo y final.

Salida de la fábrica. Hermanos Lumière

Salida de la fábrica. Hermanos Lumière

 

Antoine Lumière era un conocido pintor retratista francés que se había retirado para dedicarse al negocio de la fotografía. Sus 2 hijos continuaron con el negocio familiar, Louis como físico y Auguste como administrador.

En 1894, Antoine fue invitado a una demostración del kinetoscopio de Edison. Se trataba de un artilugio muy aparatoso, cuyas proyecciones sólo se podían contemplar a través de una ventanilla. Fascinado, Antoine propuso a sus hijos que buscasen la forma de mejorarlo.camara-cinematografica-de-los-hermanos-lumiere

Un año más tarde, Louis había encontrado la solución, el proyector cinematográfico. Se trataba de un aparato que pesaba unos cinco kilos, y su funcionamiento era mucho más eficiente que el de Edison. El 13 de febrero de 1894 fue patentado.

El 22 de marzo de 1895 se proyectó en París la conocida “Salida de los obreros de la fábrica Lumière”, rodada tres días antes.

A finales de diciembre de ese mismo año se exhibió el primer espectáculo de pago donde se proyectaron varias cintas, entre las que destacaban la de la fábrica, y otras como la “llegada de un tren a la estación de la Ciotat”, el “desayuno de un bebé” y “el regador regado”.

Así comenzó la historia del cine, como testigo de la vida cotidiana. Estos títulos se convirtieron en verdaderos clásicos de la naciente historia del cine.

ENLACES :

La Sortie de l’Usine Lumière à Lyon (le Premier Film) (1895)

https://youtu.be/QMK-TDZc70w

http://www.institut-lumiere.org/musee/les-freres-lumiere-et-leurs-inventions/premiere-seance.html

Hoy en día, cada director, o al menos cada buen director tiene sus propias técnicas fílmicas, recursos narrativos y también sus propios simbolismos, que los hacen únicos y distinguibles en este enorme mundo del cine.

Desde la simpleza de algunos planos, hasta otro más complejos y dramáticos, todos forman parte de una forma de contar y transmitir una historia de una forma particular.

En este caso, se muestran  3 puntos de vistas de 3 directores muy diferentes entre sí, pero con la semejanza de que los tres buscaron, y encontraron su propia forma de transmitirle al mundo esas historias inolvidables de una manera muy personal y particular.

A continuación, se muestran tres videos realizados por el usuario de vimeo kogonada, donde realiza un montaje de los planos más usados por cada director.

 

Por un lado Stanley Kubrick, que en todas sus películas, además de la perfección técnica y el alto simbolismo intelectual muchas veces hasta polémico, podemos también destacar su investigación sobre la utilización del tiempo, que luego influenció a directores como Tarantino… Pero, lo que queremos mostrarles en el video, es el plano preferido de Kubrick, que parece ser el plano frontal, con perspectiva simétrica, todos ellos están tan perfectamente definidos, que no podrían ser de otro que no fuera Kubrick, obsesionado con la perfección de la imagen.

Por otra parte, y en otro tono muy diferente de Kubrick, encontramos a Wes Anderson. Otro director perfeccionista que mantiene su sello personal por encima de recursos técnicos y narrativos.

Su sello personal está en cada una de sus películas, su obsesión con las escenas acuáticas, con los finales en cámara lenta, con el compositor Mark Mothersbaugh… pero de nuevo, lo que nos interesa esta vez (es que nos interesan tantas cosas del genial Wes!!) es la utilización de un plano continuamente en todas sus películas, un plano que repite constantemente y ya, también, forma parte de esa larga lista de cosas que lo caracterizan. Nos referimos al plano cenital, un plano realizado desde arriba, justo encima del objeto o sujeto, con un ángulo de 90° perpendicular al suelo y con un efecto estético que pocos pueden logran con tanto éxito.

 

Por último, y no menos importante, tenemos a Quentin Tarantino, que ya a esta altura no necesita ningún tipo de introducción, el solo se fue abriendo camino y logrando, al igual que los dos directores anteriores, su propio lugar en el mundo del cine con tanto técnica como estética propia. En su caso fue la mezcla de influencias del cine de samurais, con todas esas pequeñas cosas de la cultura pop americana. Mucha violencia, sangre y venganza son elementos reconocibles en sus obras.

A Tarantino parece gustarle un plano en particular, el contrapicado, de frente y por debajo del sujeto.

20 Grandes Directores de Cine publicada por la New York Film Academy,

¿La lista de los 20 mejores directores? A continuación:

  1. Steven Spielberg
  2. Alfred Hitchcock
  3. Martin Scorsese
  4. Stanley Kubrick
  5. Sir Ridley Scott
  6. Akira Kurosawa
  7. Peter Jackson
  8. Quentin Tarantino
  9. Orson Welles
  10. Woody Allen
  11. Clint Eastwood
  12. Sir David Lean
  13. Los hermanos Coen
  14. James Cameron
  15. Francis Ford Coppola
  16. Oliver Stone
  17. Sergio Leone
  18. John Ford
  19. Billy Wilder
  20. Sam Peckinpah