Efectos Foley
Los denominados Efectos de sala también conocidos como efectos foley son aquellos efectos que buscan la recreación de sonidos que por diversos motivos no fueron recogidos en el momento de la grabación de la escena. Wikipedia
El término foley debe su nombre al neoyorquino Jack Foley, el cual desarrollo muchas de las técnicas que ahora se llevan a cabo en esta fase de la producción sonora.
Grabación efecto Foley
Jack Donovan Foley fue el creador de muchas técnicas o efectos de sonido utilizadas en el cine. Se le atribuye la invención de añadir a las películas efectos de sonido tales como pasos, movimiento … Wikipedia
En la gran mayoría de los casos el foley se acaba convirtiendo en un arte, un arte en desarrollo. No es un proceso fácil y requiere de mucha imaginación para llevar a cabo procesos asombrosos… Como crear el sonido de un ser inexistente en el mundo real, el despegue de una nave espacial…
Los nuevos sistemas digitales nos permiten la reproducción del más mínimo detalle sonoro, primando su realismo y su definición; Por este motivo ya no hablamos de diseño de sonido sino de arquitectura del mismo. Los efectos sala (los foley) dejan de ser meros ruidos ocasionales y se convierten en auténticos decorados sonoros que acompañarán toda la acción de los personajes, hasta el más mínimo detalle. La textura del suelo por donde andan los intérpretes, la textura de los ropajes que los visten, el material del que están hechos los objetos que tocan o mueven e incluso el aire que respiran los actores son obsesiones del efectista en estos momentos.
Se puede apreciar como se utilizan cocos para crear el sonido de un caballo galopante
3. Registro de audio: ambiente locución y foley
Registrar audio tiene muy diversos propósitos, en ocasiones lo realizamos en condiciones de interior / estudio y otras veces por exigencias del guión nos movemos fuera con un equipo de grabación portátil. Dividiendo estos dos propósitos usaríamos equipos y resultados diferentes.
Tengamos como meta (en la mayoría de los casos) que queremos conseguir el sonido más plano y fiel posible a la fuente original que lo está emitiendo. Es por ello que debemos saber posicionar y escoger con cuidado la microfonía.
Antes de ver los siguientes puntos del tema, recordarte que la mejor toma es en la cual se crea, un ambiente relajado y profesional. Intenta que todo se entienda a la perfección por cualquier oyente.
Con todos los conceptos técnicos que hemos recopilado hasta ahora no deberíamos tener ningún contratiempo perceptible.
3.1 WildTrack y banda sonora
El Wildtrack
Es la pista de ambiente natural, el paisaje sonoro. En cada rodaje audiovisual acontece ese momento mágico, cuando el director de sonido pide silencio para el Wildtrack. En plena toma el equipo se paraliza para que sus sistemas de grabación capten el entorno, el aire, los pájaros… Se realiza siempre el wildtrack de cada escena en exterior puesto que es una pista, al menos un minuto que servirá al montador como fondo en la escena, para en caso de editar o doblar los diálogos tener ese ambiente real y único que daba dicho momento de la grabación de la escena.
La Banda Sonora (OST, original sound track)
Llamamos banda sonora a todas las pistas de audio que acompañan a un metraje o pieza audiovisual. Dentro de la banda sonora encontramos numerosos elementos que la forman:
– Diálogos
– WildTrack
– Música
– FXs (efectos sonoros)
Vulgarmente llamamos banda sonora únicamente a la música de la película, pero esa banda sonora contiene mucha más información esencial para el film.
La imagen muestra una película en el antiguo celuloide, ampliando donde se alojaba la banda sonora dentro de la película.
La Banda Sonora (OST, original sound track)
Hoy día la sincronización es totalmente digital.
3.2 El flujo de trabajo en las producciones de foley
Una producción de Foley tiene una fuerte preparación.
1- Visionar y anotar todos los sonidos.
Apuntando en qué momento aparecen, o realizando una clasificación acorde por grupos.
En ese proceso inicial anotamos que vamos a necesitar reconstruir, para así hacernos una idea de todo lo necesario para afrontar la grabación.
2- Materiales.
Hacer acopio de materiales necesarios para recrear ese sonido es un paso fundamental. De ello dependerá la veracidad de nuestra recreación. La mayoría de los estudios especializados contienen un gran almacén que casi parece un rastro desfasado. No importa el aspecto del “instrumento”, importa su sonido a la hora de golpearlo, arrastrarlo, mojarlo o sacudirlo.
3- Microfónica y acotación de espacios.
Según los materiales que fuésemos a emplear vamos a necesitar un espacio de seguridad mayor, es importante mantener proximidad con la microfonía sin ponerla en riesgo, podemos romper material de estudio con mucha facilidad.
4- Grabación.
El proceso de interpretación, el artista foley se convierte en un intérprete más de la banda sonora, y dependerá de su habilidad de recrear e integrar sonidos para conseguir los efectos más reales y sorprendentes. Es muy común el trabajo por capas donde para conseguir un mismo sonido empleamos distintas grabaciones. Ejemplo: una con más ataque, otra con más sonido de metal, y otra con mucho volumen. Sumando todas podemos obtener el resultado esperado que de otra forma no podríamos transmitir con un único elemento.
El papel del técnico durante la grabación es fundamental, controla las tomas, asegura que son válidas, que no saturan o se quedan bajas de nivel. Es el que escucha desde fuera con un oído crítico para transmitir al intérprete si debería repetir o buscar otro sonido.
4 Mezcla, edición y mastering
La postproducción de audio engloba todo los procesos posteriores a la grabación. Es decir, tras importar nuestros archivos de audio, decidimos las que vamos a usar y en qué orden. El siguiente paso sería editarlos, cortarlos, nivelarlos, corregir los posibles errores buscando obtener un resultado uniforme. Cuando ya hemos realizado la edición ahora viene el paso de mezcla, que trata de nivelar todo y jugar con los planos para no confundir al oyente. Explicaremos esto en el siguiente punto.
Por último una vez editado y mezclado vendría el retoque final, la masterización que equilibra y conforma, para así poder escucharlo a un volumen aceptable en cualquier reproductor de audio de nuestro entorno. La masterización busca equilibrar los sonidos puesto que la respuesta de los altavoces de casa no es igual ni parecida a la de nuestro coche. De esta manera el audio no pierde sus propiedades.
4.1 Diferencia entre mezcla y masterización
La diferencia entre mezcla y masterización es uno de los conceptos que más suele confundir, porque son términos que a veces se usan intercambiablemente y porque la línea que divide a ambos procesos puede ser bastante difusa en algunos casos.
Empecemos por entender cada proceso:
¿Qué es la mezcla de audio?
Es un proceso cuyo objetivo principal es lograr un balance equitativo en el audio. Ya sea este de frecuencias, de niveles, de la ubicación de cada sonido en el panorama estéreo (paneo). Una vez terminada la mezcla tenemos nuestra pieza lista para publicar, a falta del último proceso (el mastering).
Durante la mezcla se trabaja con el sonido “en bruto” producto de la grabación, es decir que lo que recibimos son las pistas a las que no se le aplicó ningún proceso previamente y empezamos con una serie de pasos que buscan que todo esté en su lugar y ocupe su espacio adecuadamente.
Otra cosa que se trabaja en la mezcla es la aplicación de efectos como reverb, delay, ecos, paneos creativos, etc . La elección de los efectos tiene mucho que ver con el estilo y con lo que busca el editor, productor…
La realidad es que una producción musical se empieza a mezclar incluso durante la grabación, puesto que según el micro que usamos ya estamos dándole un matiz e importancia a ese sonido.
Esto ya es un proceso de mezcla porque las decisiones las tomamos teniendo en cuenta que cada cosa tenga su lugar y se corresponda con lo que esperamos escuchar. Una grabación donde no se escuche en absoluto la voz y mucho ambiente puede destrozar nuestra mezcla.
¿Qué es la masterización?
La masterización es un proceso en el cual se pulen detalles de la mezcla y se llevan a un volumen comercialmente aceptable. La particularidad de la masterización es que durante este proceso se decide también el orden de los clips, la aplicación de fundidos (fades), la inserción de meta-datos necesarios para la identificación de la obra (como los códigos ISRC) y se decide también el espaciado de las canciones (la cantidad de segundos de silencio entre temas).
En su origen, la masterización era un proceso que se hacía únicamente para discos completos, sin embargo también se suele masterizar pistas separadas o proyectos de pocas canciones que no van a ser incluidas en un disco. La importancia de la masterización radica en una perspectiva fresca que otorga un control de calidad al proceso de mezcla.
Con el nacimiento de la auto-producción y de los discos grabados en condiciones semiprofesionales la masterización se ha vuelto una necesidad puesto que las mezclas requieren casi siempre alguna mejoría para ser aptas para su reproducción satisfactoria en los distintos medios de escucha, sin embargo cabe destacar que tampoco se puede hacer magia con una canción mal mezclada durante la masterización porque los recursos son limitados y no es la idea del proceso.
Entonces ¿Cuál es la diferencia entre mezcla y masterización?
Haciendo una analogía con la cocina, la mezcla sería el proceso donde una vez ya decidimos que vamos a cocinar procedemos a obtener la materia prima (grabación) para posteriormente desarrollar el paso intermedio donde mezclamos los ingredientes en función de las proporciones (mezcla) para posteriormente darle los retoques finales como ornamentación y presentarlo en el plato (masterización).
Señal masterizada y sin masterizar
Para seguir con la analogía, así como podemos comer directamente de una olla podemos mezclar sin masterizar, pero no podemos masterizar sin mezclar. Un estudio de mastering no tiene nada que ver con uno de mezcla, puesto que son equipamientos y propósitos bien distintos.
4.2 Usa música libre de derechos o pide derecho de explotación.
Si realizamos un podcast para distribuir de forma libre por internet, o bien si subimos un vídeo en youtube con música con derechos. En cualquier caso encontraremos que la red bloquea nuestro archivo porque rápidamente puede reconocer el uso ilegal de música con Copyright.
A continuación una lista con bibliotecas de audio en las que poder encontrar música libre de derechos de autor para poder descargársela de forma legal. Toda esta música se puede utilizar para distintos fines siempre que se respete la licencia, si es que la tiene. La gran mayoría de estas bibliotecas funcionan gracias a licencias Creative Commons. Algunas de ellas permiten hacer uso comercial de esas canciones con sólo mencionar al autor.
Repito: es recomendable asegurarse de que el tema está disponible para el uso concreto que se le quiera dar.
Jamendo
Como dice la Wikipedia, Jamendo “es una comunidad creada alrededor de la música libre, donde los artistas pueden subir su música gratuitamente y su público, descargarla de igual manera.
Fundada en enero de 2005, su número de artistas y álbumes alojados ha crecido de manera exponencial desde entonces”. Hay quien asegura que tiene más de 350.000 canciones.
Es una de las bibliotecas de música que hay que tener siempre a mano. La funcionalidad de la búsqueda avanzada es perfecta para encontrar el tema que estamos buscando de forma muy rápida.
Además deja buscar por tipo de licencia.
https://www.jamendo.com/?language=es
Free Music Archive
Creado en 2012 por WFMU, la mayor estación de música independiente de EEUU, Free Music
Archive cuenta con más de 5.000 canciones subidas por músicos o podcasters. Algunas de las bandas que suben aquí sus canciones han participado en festivales de música indie. Las canciones se pueden descargar de forma libre aunque es conveniente consultar la licencia porque pueden estar limitadas o cumplir ciertos requisitos para ser usadas.
Musopen
Si queréis ponerle música clásica a uno de vuestros vídeos, Musopen es la biblioteca perfecta.
Recoge parte de las composiciones de más de un centenar de músicos tan renombrados como Mozart, Beethoven, Tchaikovski, Bach o Mendelssohn.
Sound Cloud
Creada en 2007, Sound Cloud cuenta con más de tres millones de usuarios. Es una de las redes favoritas de música independiente.
Masterización es un término que proviene de master, en inglés, que hace referencia al producto final de una grabación sonora, que servirá como original o pieza maestra, de la cual han de obtenerse las copias. Como tal, aunque ha evolucionado, es un concepto que ha estado ligado a la historia del registro sonoro. Se podría afirmar que la primera masterización tuvo lugar en el laboratorio de Thomas Edison, ya que el propio Edison o uno de sus asistentes tuvo que producir de alguna manera el primer cilindro listo para ser utilizado en el fonógrafo para reproducir un sonido grabado previamente mediante el mismo aparato. (De Wikipedia, la enciclopedia libre)
Reseña
Con la invención del gramófono, se popularizó el uso del disco de vinilo, lo que sucedió de forma paralela al desarrollo de la radio en Estados Unidos. El ingeniero encargado de la masterización elabora el máster grabando un surco en la superficie del mismo usando un pickup similar al que se usa para reproducción.
Este surco forma una espiral que inicia su camino en la periferia de la superficie del disco y avanza hacia su interior. La velocidad con que la punta grabadora avanza hacia el centro del disco determina la distancia entre surcos, lo que a su vez limita la amplitud de las vibraciones que puede registrar el pickup, lo que luego se traduce en un disco que suena más o menos fuerte.
Con el advenimiento del disco compacto, la forma en que se realiza el trabajo de crear el prototipo para el máster cambió, pero siguió siendo necesario. El encargado de la masterización de CD creaba un prototipo usando un formato desarrollado para tal fin, a partir de una modificación de la grabadora de video U-matic, conocido en el medio como la PCM 1630.
Con los años se creó el CD de escritura y luego el de lecto-escritura, que también comenzó a ser usado para entregar los máster a la planta de prensaje. Hoy en día son el formato de preferencia, junto al DDP (del inglés, «Disc Description Protocol»), que se usa para enviar el máster a través de internet.
Algunas personas prefieren el término «Pre-masterización», toda vez que el producto obtenido en el estudio es solo un «pre-master» del cual se obtiene el «glass-master», generalmente en la propia planta, y es propiamente el prototipo, o «master» que se usa para la replicación.
Masterización como parte del proceso de la producción sonora
Los primeros títulos de registro sonoro fueron comercializados como cilindros para fonógrafo o disco para gramófono. Estas primeras grabaciones se realizaban directamente sobre el medio final, sin procesos intermedios.
Con la invención de la cinta magnética, la grabación podía realizarse en un momento previo a la producción del máster del disco para replicación, con posibilidad de repetir cuando una toma no salía bien, y se podía incluso grabar cada fragmento musical en un momento diferente, lo que hacía necesaria una sesión extra de «armado», que posibilitaba la toma de decisiones como el orden de las canciones, para que el técnico encargado preparase el máster a partir de las diferentes cintas empleadas en el orden deseado y dejando un espacio de silencio adecuado entre ellas, proceso que hasta nuestros días se conoce con el nombre de «secuenciado».
Otro aspecto importante en la evolución del trabajo de masterización se debió también al hecho de grabar en momentos diferentes cada pista del álbum, puesto que con frecuencia el resultado final era que cada pieza individual presentaba un nivel de volumen diferente, debido a lo cual el operario debía compensar este efecto ya fuera amplificando o atenuando algunas de ellas, lo que en ocasiones obligaba a la creación de una cinta maestra a partir de las originales.
El operario ya no se encargaba solamente del aspecto puramente técnico de la preparación del máster, sino que tenía bajo su responsabilidad el secuenciado y la nivelación, lo que tenía también que ver con la parte artística del trabajo.
En poco tiempo se agregó un ecualizador al arsenal, debido a que no sólo se presentaban diferencias de nivel entre las diferentes pistas, sino también de color. El ecualizador se utilizaba para compensar tales diferencias, que comenzaron a darse con mayor frecuencia e intensidad en los comienzos de la grabación multipista, que agregaba un proceso intermedio entre la grabación y la masterización : la mezcla.
Software audio.
- Software libre para la edición de audio
A continuación un listado de los editores de audio más comunes. Tanto en uso profesional como doméstico tenemos acceso a herramientas muy potentes. El resultado final únicamente dependerá de nosotros, el mercado de software de audio es muy similar y utiliza el mismo flujo de trabajo, simplemente son cambios de apariencia o utilidades de cada compañía:
-Audacity. (click para descargar) https://sourceforge.net/projects/audacity/?lang=es
http://audacity.sourceforge.net/?lang=es
-Sony Sound Forge.
-Steinberg Wavelab.
-BIAS Peak. -Acoustica.
-Wave editor. -Wavosaur
Software de audio.
https://www.youtube.com/watch?v=0_C-8D6yr34
Consejo para utilizar los Smartphone e IPhone.
https://www.youtube.com/watch?v=acZusTmIoSA
Mezcla de audio.
https://www.youtube.com/watch?v=gOMkDVNsDZU
Enlaces vídeos foley.
CORTOMETRAJE “THE SECRET WORLD OF FOLEY” «EL MUNDO SECRETO DE FOLEY»
EL INICIO DEL FOLEY, ASÍ SE TRABAJA UNA SECUENCIA COMPLETA
https://www.youtube.com/watch?v=OONaPcZ4EAs
GARY HECKER, EL FOLEY EN HOLLYWOOD
manuelprofesordeproyectos Manuel Padilla Álvarez 
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